EDITO

Pourquoi contribuer à ce spectacle ?

D'abord parce que c'est mon bébé. J'y porte le regard tendre et fier d'un papa qui contemple sa progéniture parmi des dizaines d'autres enfants qui sont forcément très beaux et très intelligents - mais moins que le mien.

Et puis parce que le spectacle vivant est une belle aventure à partager avec le public. Direct ! Live ! Et que c'est grâce à votre contribution qu'il prendra vie et pourra évoluer, avec les moyens qu'on lui donne. Et parce que la seule raison d'être d'un spectacle est la scène.

- Alain ELOUARD -

GENESE DU PROJET

L'idée du projet s'est présentée en 2012 à la lecture d'un article de la revue "Guitar". Cet article évoquait les origines du blues. J'ai pensé qu'il pouvait m'inspirer, mais je ne savais pas encore sous quelle forme. J'avais déjà entamé un projet du genre sur un sujet d'anticipation.

Mais l'hypothèse d'une rencontre musicale entre les Noirs et les Amérindiens, m'obsédait. Elle retraçait à mes yeux l'histoire de la musique moderne issue de la souffrance de ces hommes opprimés par les mêmes tyrans. Puis cette hypothèse s'est transformée en certitude au fur et à mesure de mes recherches. J'ai donc franchi le pas en mars 2014. Je me suis d'abord documenté 2 mois durant avant d'en entamer l'écriture. Le prétexte d'abord musical, ne pouvait évidemment nier la nature intrinsèque entre l'esclavage (à noter que de nombreux Indiens étaient aussi esclaves) et la musique qui y puisait ses sources.

SYNOPSIS

En Afrique au 19è siècle, dans un petit village Ibo du Nigéria, vit Sekou un garçon de 11 ans. Un après-midi errant au cœur de la savane, Sekou voit son village assailli par les pillards et dévoré par les flammes. Capturé par un couple Ibo, il est vendu au marché de Bonny (Bénin). Il est acheté par un médecin anglais chez lequel il passera sept ans. Son maître décédé Sekou est capturé et vendu à nouveau.

Après une horrible traversée sur un bateau négrier il se retrouve sur cette terre étrangère qui est l’Amérique. Sa vie d’esclave chez un planteur cynique le décide à fuir par les pistes secrètes de l’UNDERGROUND RAILROAD.

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NOTE D'INTENTION

L’idée de base est de remonter aux sources de la musique noire américaine, en partant de l’Afrique jusqu’aux Etats-Unis. La rencontre de deux peuples oppressés par les mêmes tyrans, devait aboutir à un mélange, un partage de leur culture respective. La musique illustre et retrace les styles musicaux d’où se tramera le blues. Le texte narratif et situationniste décrit le parcours tragique d’un africain prit dans les tourments de son époque. L’intention est aussi de faire prendre conscience que, malgré l’abolition, l’esclavage est encore une tragédie contemporaine. Il n’est pas le résultat du racisme mais l’inverse. L’esclavage est né de la cupidité des hommes et marque le début de la mondialisation et du capitalisme.

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Ces différentes peintures sont l'oeuvre de Eric Elouard.

NOTE DE MISE EN SCENE

La lumière doit jouer un rôle essentiel dans le visuel du spectacle. Elle ajoutera à l’aspect climatique de la musique l’atmosphère coloré et synchrone qui soutiendra le récit. L’utilisation de la technologie (notamment la 3D) par la présence d’un écran en fond de scène, renforcera la nature du climat par l’image en mouvement (abstraite ou figurative). La présence d’un graffer œuvrant sur une toile de fond noire, ajoute à l’image une création alternée et spectaculaire. Musiciens et chanteurs seront affublés chacun d’un ou plusieurs rôles et pourront éventuellement s’intégrer à l’image.

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PRESENTATION DE L’EQUIPE

L’auteur

Alain Elouard a fait ses premiers pas artistique au théâtre. Il a adapté et mis en scène les Bidochons. Sa rencontre avec la chanteuse Mireille Rivat en 1990 aboutit à un spectacle sur Kurt Weil et Bertold Brecht dont il écrit l’adaptation française joué à la Vieille Grille à Beaubourg. Auteur et chanteur du groupe Elouard Band au côté de son frère Eric (compositeur et peintre) pendant vingt-cinq ans. Trois albums sont nés de leur complicité interrompu par le décès d’Eric en 2007.

Alain Elouard a également adapté des chansons de Franck Zappa dans la langue de Molière. Du duo au septet et plus, le chant est sa seconde passion. Il crée en 2008 avec le pianiste (et plasticien) Romain Louvel, le groupe Monsieur ON (d’obédience jazz, blues et rock) toujours en activité. Auteur de poèmes, de nouvelles et de chansons, son rapport avec la scène est une seconde nature.

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Les compositeurs

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Léo Lamotte est un compositeur autodidacte, guitariste, chanteur ou vocaliste, évoluant dans un style qu'il baptise art'song, space-folk, jazz, pop, classique, contemporain. Il est initié très jeune à la musique classique par sa mère pianiste et choriste soprane dans l'ensemble vocal de Nantes dirigé par Paul Colhéo. Elle lui fait découvrir le répertoire, de l'époque baroque aux compositeurs du vingtième siècle (G. Fauré, C. Debussy...). Cette expérience lui permet de faire évoluer sa sensibilité et ses goûts qui détermineront ses choix dans la musique. Il suivra une formation de 4 ans au Conservatoire de Nantes. Il débute à treize ans aux percussions et à la batterie. A seize ans, il découvre la guitare, le chant et aborde la composition. Pendant quelques années il joue dans différentes formations de chansons françaises à tendance rock. Fin 1987, de retour de Londres, il développe une première expérience en tant que compositeur dans le trio Vue Duo. En 1989, il rencontre le chansonnier Joel Barret au festival des Francofolies. Celui-ci l'engage dans ses tournées nationales pendant trois ans. Dans la même période, il fréquente la scène nantaise, accompagnant divers artistes tels Elouard Band, Marquis De Règes, Aquarium, Adelma et Vif-Argent avec Jean-Luc Chevalier (ex-Magma) et Hilaire Rama. Il est à l’occasion, guitariste de studio au Garage Hermétique avec les ingénieurs du son Nicolas Moreau et Patrick Droguet (ancien ingé son au château d'Hérouville). En 2001, il rejoint le compositeur, interprète, Claude Turner. Ensemble, ils enregistrent l'album Révolution (lauréat 2004 du grand prix du disque en Bretagne). Fin 2007 voit la rencontre avec la coach vocal et pianiste Isabelle Fievet qui l'aide à asseoir sa voix. Puis, il travaille aussi avec Maxime Goetz (producteur, guitariste, arrangeur). En 2011, il travaille sur un répertoire plus instrumental (chamber jazz, third stream, folk-jazz, world fusion). Depuis, Leo Lamotte adapte et développe son jeu sur guitare classique (Paulhino Bernabe) et approfondie ses recherches dans le domaine de l'improvisation et du son. En 2016, création d’un duo jazz : Charles Lebrettevillois (basse/contrebasse) et Léo Lamotte (guitares/chant).

Philippe Ménard : l’ancien guitariste de Tequila (fameux groupe de rock nantais formé en 1977 et dissous en 1994) poursuit sa route en « one man band » remettant à l’honneur la tradition du blues dans laquelle un seul musicien joue à fois de la guitare, de l’harmonica et de diverses percussions (grosse-caisse, tambourin, caisse-claire). Alternant avec bonheur les couleurs sonores acoustiques et électriques, cette formule lui permet d’explorer aussi bien le blues des précurseurs du genre (Joe Hill Louis, Juke Boy Bonner, Dr Isaiah Ross) que celui des sixties et seventies (Hendrix, Gallagher, Thorogood, Stones), tout en présentant ses compositions. Le guitariste gaucher (comme Jimmy Hendrix) avec sa légendaire Fender Stratocaster rouge, est aujourd’hui reconnu comme un virtuose de la six cordes et compte parmi ses amis les plus grands bluesmen d’hier et d’aujourd’hui. Véritable homme de scène passionné, convaincant et étonnant, Philippe Ménard est un personnage rare, sincère et terriblement attachant. Par sa pugnacité, sa formidable carrière et son éternelle flamme, il est très certainement l’homme le plus marquant de l’histoire de la scène locale.

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Les interprètes

Philippe Ménard (voir précédemment)

Pascal Vandenbulcke

Il est compositeur, arrangeur, musicien polyforme et multi- instrumentiste (flûtes, claviers, accordéon, percussions). A l’issue d’études musicales au Conservatoire de Nantes, il entame une période de deux années en musicologie à la Sorbonne. Il se spécialise dans les arrangements et les orchestrations avec Ivan Julien. En 1997, au 10ème concours national de jazz de la Défense à Paris, il remporte le troisième prix de soliste. Il se produit actuellement avec le quintet de Daniel Givone (La Belle Vie), La Baronne Bleue, La Diagonale du Cube avec la création « Le tombeau de Poulenc » de Jean-Christophe Cholet, Alban Darche et Mathias Ruëgg, Didier Squiban trio. Il participe à des projets en danse avec la Cie Kossiwa, en théâtre avec les Cies Théâtre Nuit et La Lune Rousse, en performance musique/danse avec le projet Lhâ, et en spectacle jeune public avec Chel. Il a aussi joué avec Geoffroy Tamisier, François Thuillier, Didier Ithursarry, Thomas Grimmonprez, Gueorgui Kornazov, Sylvain Rifflet, François Ripoche, Didier Malherbe, Gildas Boclé, Philippe Duchemin, Jacques Pellen, Jean Chevalier et Jean-Patrick Cosset.

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Franck Thomelet

Il découvre la musique avec le piano famillial et tient la batterie avec l'orchestre swing-musette de son père, et se forme avec J.P. Berthaud et "Popof" Chevalier. Il étudie les percussions au Conservatoire de Nantes avec G. Hiéronimus et entre en tant que batteur-percussionniste à l'ONPL pour quelques opéras et opérettes. Il participe à l'adaptation de "L'homme de la Mancha" au théâtre Marigny, découvre le blues et la musique de Hendrix avec Téquila et joue de 1983 à 1990 aux Pays-Bas. En 1992 il entame une tournée au Kenya avec le groupe soul-jazz Yachamac, puis étudie le jeu de Big-band jazz sous la direction de A. Mandgerlsdorff à Sarrebruck ; en 1997 il participe à l'échange culturel Nantes-Seattle avec le Brass Band de G. Tamisier. Il se familiarise à l'univers du Jazz avec le contrebassiste JF. Jenny-Clarc et le batteur G. Brown. Il joue de 2004 à 2009 dans les clubs de Jazz de Madrid et y découvre le "cajon" péruvien et le flamenco qu'il pratique désormais dans différentes formations. Se succèdent des tournées en Italie, à Memphis, et en Scandinavie avec Bo-Weavil. Actuellement il travaille avec la Cie des Aphoristes, joue dans Les Licenciés de chez Renaud, Camino et Peanut Roots.

Isabelle Fievet

Après une formation au conservatoire, elle commence par le jazz dans le "Holy Twentie's Orchestra" avec Billy Corcuff. Elle fait également partie d'un quintet aux tendances be-bop avec Franck Thomelet à la batterie et toujours Billy Corcuff. Elle entre ensuite au Cabaret Studio aux côtés de Georges Fischer, où elle accompagne au clavier chanteurs et chanteuses à l'élaboration de spectacles de chansons françaises, et enseigne le chant. En parallèle, elle joue et chante au sein du groupe " Les Quat'z'elles" (chanson polyphonique ). Pianiste dans diverses formations de jazz et de chansons françaises, Isabelle joue dans de nombreux pianos bars et café-concerts de la région ( et ailleurs) durant une quinzaine d'années La rencontre avec la chanteuse Rachel Fandi est déterminante, et crée une osmose qui depuis sept ans s'illustre effectivement à travers un répertoire soul et jazz.

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Stéphane Rom

Il est un chanteur swing jazz funk soul. Il a pris ses premiers cours en 1981 avec Danielle Zonca. Il participe en 1984 à la comédie musicale “Rocking Allonne” et chante la même année à Paris au “pub Olympia”, passe à la télé dans Azzur Show, et en 1985, revêt le rôle du Brésilien dans “la vie parisienne”. Il poursuit jusqu’en 1986 sa formation de chanteur avec Robert Carique (Opéra de Liège), chez Rosella Hightower école internationale et de 86 à 87 avec Chuck Mallet à Londres. Ensuite il participe aux ateliers jazz avec Mina à Caen en 88/89, et chante dans “la légende des immobiles” avec la compagnie du sucre. Puis, il est chanteur au sein de différents groupes ou spectacles dans les années 90 : Café noir, Tribu, "le miracle de la manekine", les Zouaves, seul à Berlin, Plaisir de France avec Julien Barthe sur vinyl et en live (house music), Gospel & Songs, comédie musicale “la belle histoire”. Depuis quelques années, il chante accompagné par le pianiste Patrick Delobel avec le Stéphane Rom duo et a intensément tourné avec Gospel Rivers. Il monte actuellement un spectacle autour de Jean Guidoni.

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Ndeye Mboup

D'origine Sénégalaise, elle fait partie d'une famille de griots de guewel. Son père lui a transmis l’amour de la musique par les chants traditionnels du Sénégal, mais elle n’a commencé à chanter vraiment qu'en 2013. Elle a rejoint le groupe The Three Generations Blues Band dont le répertoire est teinté de blues, de musique noire américaine des années 40-50, de boogie, de jazz et de soul. Ils ont remporté le tremplin blues des Rendez-vous de l’Erdre en 2014, et tourne depuis régulièrement sur Nantes et sa région. En parallèle elle développe désormais un projet personnel avec ses propres compositions (style reggae, kizomba) avec un DJ nantais.

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Nathalie Wogrintschitz

Costumière, créatrice des costumes pour ce spectacle.

L’équipe technique

Marian Landrieve

Vidéaste, créateur des illustrations vidéos et des effets spéciaux pour ce spectacle.

Technicien son et régisseur lumière En cours de recrutement

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PLANNING PREVISIONNEL

Recherche de coproducteurs avril-mai 2016

ou de partenaires pour la maquette

Création des éléments visuels septembre 2016 à mai 2017

.Création de costumes - octobre 2016 à janvier 2017

. Elaboration de la création visuelle en 3D - septembre 2016 à mai 2017

. Construction des décors

. Elaboration de la scénographie

Travail de création sur la maquette du spectacle septembre à déc. 2016

. Répétition d’une sélection de fragments de l’œuvre finale

. Travail de mise en scène et d’interprétation

. Captation des extraits vidéos nécessaires à la recherche de partenaire

. Filage des fragments sélectionnés devant des coproducteurs potentiels

Création finale au plateau entre janvier et juin 2017

. Elaboration du plan de feu

. Placements

. Travail du son en façade

. Filage

Un minimum de cinq jours de répétition par semaine (2 services de répétition par jour) sur vingt-deux jours effectifs composent le planning de création final.

Première sur scène septembre 2017

Tournée en théâtre et en salle saison 2017-2018

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OCTOPUS

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