IMAGES DU FILM

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SYNOPSIS

Ernest est un jeune homme dans la lune, qui est très sensible au soleil, ce qui l’handicape dans sa vie de tous les jours. Il est aussi plus ou moins considéré comme «l’idiot du village» et subit souvent les brimades des personnes qu’il côtoie et qui se moquent de son allure liée à son handicap.

Pourtant Charlotte, une jeune fille de son âge, semble avoir de la tendresse pour lui, ce qui a le don d’énerver son père, qui fait tout pour rabaisser Ernest. Mais un jour, après avoir été le témoin de l’agression mortelle du père de Charlotte, Ernest revient sur les lieux de la scène et découvre des espèces de cristaux bleus lumineux, qu’il peut regarder en face, et qui vont le fasciner nuit et jour.

On le suit alors tiraillé entre ce soleil nocif, Charlotte, et ces cristaux dont l’existence n’est peut-être pas aussi réelle qu’il n’y parait.

D'OÙ VIENT CE PROJET

Entre deux feux.

Cette expression est assez représentative de l'histoire que je souhaite raconter, car il sera ici question d'interstice. D'un personnage coincé entre deux objets qui pour lui sont des sources de hantise et de fascination, le soleil d’une part et un cristal bleu d’autre part. Il sera aussi question de confrontation de matière, de texture, afin qu’une réelle différence de facture de l’image puisse ainsi suggérer et révéler toutes les déflagrations intérieures du personnage.

Mais il a tout d’abord été question pour ce projet de trouver des notions abstraites afin de les traiter, de les conjuguer, et de les traduire plastiquement.

Pour commencer, j’avais choisi la notion d’éparpillement, pour voir quelles images mentales et quelles abstractions celles-ci pouvaient produire. J’en étais arrivé à une espèce d’éclatement violent, à une dispersion, une dégénérescence.

Ensuite il y avait la notion de fracture, comme un endroit et un moment où la matière lâche, une question d’apparition et de disparition.

Et pour finir, il y avait l’idée du scintillement qui devenait un liant entre ces deux notions.

Ainsi, à l’aide de ces éléments abstraits, j’ai voulu aborder l’objet cinématographique et le travail lié au grain de l’image. Jouer sur la différence de grain/bruit entre image ultra lisse et image granuleuse, afin qu’il puisse y avoir une réelle fracture de l’image donnant naissance à un possible interstice. Et l’interstice possible dans ce contexte serait alors le corps du personnage principal. Considérer ce corps comme un espace à la fois limité et nécessaire. Concernant l’altération de l’image, il me semble que cette « erreur » de l’image peut ainsi se positionner en tant que potentiel poétique. Une sorte de réinterprétation de la figure romantique noyée dans un environnement qu’elle n’arrive pas à appréhender.

Le chasseur dans la forêt, 1814, 66cm x 47cm, Caspar David Friedrich

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Melting Ice Cream 4, Mathieu Saint-Pierre, 2012

Je voulais aussi m’attaquer à la narration et trouver des enjeux scénaristiques qui me permettent plastiquement de retrouver cette conjugaison d’images abstraites par le prisme d’objets significatifs. Il m’a fallu chercher à l’endroit des brûlures. Il fallait que l’environnement dans lequel évolue le personnage soit une expression de ce qu’il se passe en lui, la manifestation de ce qui bouillonne en lui. Appréhender l’aspect psychologique du personnage à travers son environnement. On peut retrouver cela dans des films comme Take Shelter de Jeff Nichols, Another Earth de Mike Cahill, ou Melancholia de Lars Von Trier.

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Take Shelter, Jeff Nichols, 2011

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Another Earth, Mike Cahill, 2011

Melancholia, Lars Von Trier, 2011

Ici les phénomènes « surnaturels » illustrés par les effets spéciaux ne sont pas gratuits, mais relèvent de l’expression d’une passion qui déchire les personnages. Amener dehors ce qu’il y a dedans. Il fallait trouver pour mon histoire, deux objets qui soient en mesure d’illustrer le chaos intérieur du personnage.

L’approche scénaristique a eu pour grande influence un court essai de Georges Bataille, « La mutilation sacrificielle ou l’oreille coupée de Vincent Van gogh », où il relate de cas psychiatriques particuliers où des personnes en arrivent à se mutiler après avoir regardé le soleil qui leur aurait ordonné cet acte. A cette étape de mes recherches, il m’a alors semblé juste d’envisager une histoire qui soit en rapport direct avec l’œil, avec le regard, tout en traitant d’une certaine forme de violence intrinsèque au fait même de regarder. Le chaos intérieur du personnage devait être lié à sa faculté de voir, et donc, d’absorber le monde autour de lui.

Tout d’abord le soleil allait être un des objets de fascination. On ne peut regarder droit dans le soleil, mais celui-ci devait par sa lumière être l’élément qui cristallise une certaine oppression du personnage. Sa lumière devait être la manifestation de cet environnement violent qu’il n’arrive pas à appréhender à cause de son extrême clarté. Il allait aussi être la cause de l’altération de l’image et de l’aliénation du personnage.

De l’autre côté il fallait trouver un soleil de substitution, un soleil factice à travers lequel le personnage trouverait refuge. Un « soleil » regardable incarné par un cristal bleu. Ce cristal serait alors l’objet où s’entrechoquent et se fusionnent toutes les hantises, toutes les peurs, et tous les fantasmes du personnage. Le bleu comme le véhicule de la douce violence qui dort en lui.

Auto-portrait avec une cigarette, Edvard Munch, 1895

Le personnage est donc pris entre deux feux. Et c’est entre ces deux feux que la caméra le suivra afin d’y révéler une sorte d’essence lié à la violence d’exister pour le personnage. Ces deux objets, ces deux « soleils », sont deux extrêmes clartés à l’intérieur desquels il est impossible de subsister longtemps. Paradoxalement, le seul endroit où le personnage est sujet à ressentir son existence sans violence extérieur, est l’extrême obscurité où il se trouvera par ailleurs face à lui-même.

On peut retrouver ce qui s’apparente à cette figure enfantine, dans Allemagne année zéro de Roberto Rossellini où le jeune personnage Edmund déambule sans cesse entre extrême clarté et extrême noirceur, jusqu’à ne trouver que comme unique solution de se « jeter dans la lumière » pour y mourir.

Allemagne Année Zero, Roberto Rosselini, 1948

Mon projet s’inscrit donc dans ces registres et essaie d’avoir une certaine cohérence entre une recherche plastique bien précise qui utilise l’altération de l’image comme personnage à part entière, et une approche scénaristique qui servira de liant et de motif à la facture de l’image.

Ainsi l’histoire devant servir l’image, et l’image devant servir l’histoire.

FICHE TECHNIQUE DU FILM

Tourné avec une caméra RED, format 1:85, durée environ 21 minutes.

Lieu de tournage:

Roubaix / Tourcoing

L'équipe de tournage:

Chef opérateur: Guillaume Duchemin

Assistant Caméra: Ada Détraz

Assistant réalisateur: Anais Duquenoy

Chef Electricien: David Wojtkowiak

Assistants electro: Pearl Hort / Jeremy Courmont

Ingénieur son: Pierre George

Assistant prise de son: Quentin Denimal

Machinerie: Maxime Ziadi

Scripte: Zoé Brunet-Jailly

Maquilleur: Corentin Debacker

Régie: Sarah Kada / Solène Dassonville

Chargée de production: Lucie Bercez

Mixage Son: Maxime Champesme

Etalonnage: François Engrand

VFX: Simon Vidy

Les acteurs:

Guy Leroy : Ernest

Camille Polet : Charlotte

Erik Chantry : Le père

Planning:

Le tournage a eu lieu du 27 Mars au 2 Février

Le montage image prendra fin le 16 Avril

L'étalonnage, le montage son et le mixage devront être terminés pour début Mai.

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